Cornell era fascinado pela atriz Rose Hobart e, num belo dia, pegou numa cópia do filme A Leste da Ilha de Bornéu (East of Borneo) que tinha e montou-o de forma a que este mostrasse apenas as partes em que Rose aparecia, projetando-o através de uma lente azul. Deu a esta obra o nome da atriz. Quando o exibiu pela primeira vez, colocou uns discos de música samba, que tinha encontrado em despojos abandonados, como banda sonora. Esta pequena experiência caseira acabou por tornar-se uma das mais conhecidas curta-metragens surrealistas norte-americanas e a técnica de re-editar um filme desta forma tornou-se tão comum como hoje podemos ver no Youtube, por exemplo.

Após algumas exibições em galerias e teatros, o filme começou a ser falado e Cornell foi convidado para a primeira exposição de arte surrealista no Museu de Arte Moderna, em Nova Iorque. Nessa noite, Salvador Dalí, que tinha também sido convidado a exibir algumas peças suas e estava presente na audiência, saltou da sua cadeira a meio do filme e jurou a pés juntos que Cornell lhe tinha roubado a ideia. Segundo se afirma, as suas palavras foram: “Eu tinha uma ideia para fazer um filme exatamente como este e ia propô-lo a alguém que me pagasse para o fazer. Nunca o apontei nem o tinha contado a ninguém, mas ele roubou-me. Ele assaltou-me o subconsciente! Roubou dos meus sonhos!”. Esta insanidade de Dalí, acabou por custar a Cornell algum mau nome na praça e só lhe foi possível voltar a mostrá-lo ao público passados 30 anos, desta vez projetado a rosa (rose).

Hoje, que se comemora mais um Dia Mundial do Livro e dos Direitos de Autor, lembrei-me desta história e fiquei contente por ser possível encontrar o filme facilmente. Joseph Cornell acabou por se tornar um importante artista experimental.

A realização ficou a cargo de Bruce McDonald, conterrâneo do grupo e responsável pelo extremamente estilizado Fragmentos de Tracey. Tanto a trama como os atores não são muito convincentes mas vale, com toda a certeza, a pena (para quem for fã da banda e se identificar com o espírito leve do Verão) ouvir BSS durante hora e meia, com imagens a acompanhar. Que não se espere muito mais do que isso.

Os cenários da estação espacial foram construídos nas traseiras da casa dos pais do realizador William Eubank, na altura com 24 anos e estreante nas longas metragens, a partir de materiais como velcro, fibras, sacos de pizza, mobília comprada na Home Depot, luzes de Natal e muitos agrafos. Para além da produção, Angels & Airwaves assinam a música de todo o filme, tendo lançado em Fevereiro de 2010 o disco com o mesmo nome. A ideia inicial dos produtores, que chamaram Eubank quando trabalhava para a Panavision na área de imagem, era a da concepção de 10 videoclips para a banda à volta do conceito do álbum que estavam a criar (ideia já explorada por Kaney West ou Flaming Lips, por exemplo). O realizador convenceu então os músicos a tornar o projeto numa longa metragem.

Por enquanto, o filme estreou apenas nos Estados Unidos, e a muito custo, visto que o primeiro trailer (na altura chamado I-Empire) podia ser visto no site da banda em meados de 2007. A sua estreia no Santa Barbara International Film Festival obrigou a que fizessem várias exibições adicionais por terem todas as sessões esgotadas. Infelizmente, tudo indica que, por falta de distribuidor, será lançado dentro de poucos dias diretamente para DVD em conjunto com a banda sonora. Podem visitar a página oficial da banda aqui.

A fazer lembrar uma versão natalícia do The Thing, Rare Exports: A Christmas Tale é um dos mais originais Christmas horror movies que se viram passar pelos cinemas do mundo nos últimos anos.

Filmes longos, pausados, com magníficos planos da paisagem. Filmes  que são verdadeiras experiências, não só sensoriais como emocionais, intelectuais ou filosóficas. Cada vez menos se vê disto e quando se vê são muitas vezes falhados.

Mas alto, que ainda aí anda o Terrence Malick, descendente fílmico de Tarkovski (pronto, está dito). Vem a passo de caracol como de costume mas ainda assim a ter em conta. Depois da semi-desilusão de O Novo Mundo (ai, como será a primeira edição de 4 horas?) surge esta semana um tremendo trailer para The Tree Of Life. As interpretações estão a cargo de Brad Pitt, Sean Penn e Jessica Chastain.

Uma história aparentemente  simples e também megalómana sobre três irmãos (mas um deles em especial), o passado e o presente, a delicadeza e a força.

É bom saber que no cinema de Malick o absoluto ainda se encontra nos pormenores.

Há dois anos, no topo da carreira, Joaquin Phoenix despediu-se dos filmes sem olhar para trás. Estreia hoje o documentário (?), pelas mãos do colega e amigo Casey Affleck, que nos desvenda o desenrolar do seu ano após se reformar do cinema. Phoenix, afinal, queria era ser rapper.

I’m Still Here começa em Outono de 2008, com o anúncio feito pelo ator de que Duplo Amor seria o seu último filme e que se iria dedicar ao mundo do hip hop. Daí até à desastrosa entrevista no Late Show with David Letterman, em Novembro de 2009, vemos o homem passar por uma carreira musical como MC cheia de tentativas falhadas e presenciamos a momentos mais pessoais onde, por exemplo, filosofa sobre a vida. O ponto principal desta história é mostrar o que implica ser uma estrela nos dias de hoje e como nos submetemos, enquanto seres humanos, aos papéis que a sociedade nos entrega.

Sem saber como recuperar o sentido de viver, Joaquin acaba por recorrer à única coisa que sabe fazer e chama uma equipa para filmar o seu tormento. Frustrado, chega a soltar durante o filme um dramático “I’m just trapped in this fucking self-imposed prison of characterisation!“, enquanto os seus cães fornicam sobre o seu relvado. No fundo, um exemplo da tragicomédia que é a vida.

Seja um documento real ou não, a verdade é que isto faz-me lembrar algo saído de Andy Kaufman (o que é mais que uma boa desculpa para dar um salto ao cinema). De resto, posso dizer que Joaquin Phoenix entretanto fez a barba e recuperou a sanidade. A página oficial do filme encontra-se aqui.

Um pneu com poderes telecinéticos persegue uma rapariga num deserto da Califórnia e vai rebentando com o que se cruza, incluindo pessoas. Um grupo de polícias persegue-o. Tudo isto é assistido e comentado por uma audiência equipada com binóculos. Boris Vian gosta disto.

Quentin Dupieux (mais conhecido como Mr. Oizo) dirige esta comédia absurda  que assenta arreais na linguagem do filme de terror. O artista francês diz que as pessoas só vêem filmes explicadinhos e que prefere filmes singulares como os de Lynch. Parece-nos que é isso que tenta aqui fazer: um filme singular. Mas será que este vale a pena?

O filme tem um trunfo - Robert, o pneu. Animado por controlo remoto e até mesmo manualmente, são muitos os rasgados elogios que tem recebido. Ainda ninguém se queixou de dificuldades em adoptar um objecto não antropomórfico como protagonista, o que por si só é motivo de orgulho. Mas para lá disso as opiniões divergem.

Para uns Rubber não tem, além da premissa, grandes ideias nem acontecimentos que justifiquem os 85 minutos de duração. Para outros é um filme original, estimulante e deliciosamente absurdo.

Rubber foi rodado em 14 dias e filmado com uma máquina fotográfica Canon 5D.

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Dizem que é um melodrama, dizem que é um filme de terror, dizem que é tanta coisa que começo a convencer-me que é mais um grande filme de  Darren Aronofsky. Teve classificação ‘Restricted’ (maiores de 17) nos EUA por conter conversa marota, masturbação, cunnilingus, unhas partidas, arranhões nas costas. Mas que filme é este, Darren?

Em Cisne Negro (Black Swan), Natalie Portman é uma bailarina  de nome Nina que disputa o papel principal do Lago dos Cisnes com Lily (Mila Kunis). O papel exige alguém que personifique tanto a inocência de Odette (o cisne branco) como a sensualidade de Odile (o cisne negro). Ao que parece Nina não tem consciência do seu ‘dark side’ mas tenta encontrá-lo para conseguir o papel e até Vincent Cassel (que representa o director artístico) dá uma ajudinha com um pouco de assédio sexual.

O trailer e algumas críticas sugerem algum expressionismo e até já houve quem o comparasse ao Polanski de Repulsa e de A semente do Diabo. Se nos lembrarmos de Pi e da grande realização que Aronofsky sacou nesse registo, é natural que os nossos teclados estejam neste momento cheios de baba. Eu não podia pedir mais do que um filme paranóico em que Natalie Portman tem um alterego diabólico e ainda troca carícias com outra boazona.

Apesar de não ter liderado as nomeações de hoje aos Globos de Ouro, Cisne Negro vai de certeza levar um ‘boost’ de interesse com a temporada de prémios que está à porta. Tem estreia marcada para 24 de Fevereiro de 2011 em Portugal, a poucos dias dos Oscar. Fico à espera.

Enter The Void é o novo filme de Gaspar Noé. O realizador de Irreversível concluiu a sua obra sobre a vida depois da morte que é também um vôo sensorial por uma cidade e um retrato da decadência. A realização assenta na perspectiva de um personagem durante os 150 minutos de duração e não há um único plano sem efeitos digitais. O cineasta francês, segundo o próprio, teve como ponto de partida o filme Lady in the Lake, a ingestão de cogumelos, vários livros sobre a vida póstuma e o consumo de charros.

A primeira versão do guião foi escrita no início dos anos 90 e Noé admitiu, em entrevista à Filmmaker, que tudo o que fez nos últimos anos fez com o objectivo de conseguir este filme, chegando mesmo a dizer que Irreversível não foi tanto um filme mas mais a oportunidade de experimentar gruas, efeitos visuais e pós-produção digital para afinar a mão para esta obra que não tem ainda data de estreia prevista para Portugal.

Cartaz | Site Oficial

O seu rosto é uma das mais reconfortantes recordações de cinema que guardo da minha infância. Leslie Nielsen fazia uma  expressão what-the-fuck perfeita e foi o detective Frank Debrin na mítica Police Squad, série de tv que nunca passou do sexto episódio e levou os seus criadores a fazerem o filme Onde é Que Para a Polícia? (Naked Gun). Provavelmente foi nas comédias descabeladas de David Zucker e Jim Abrahams (também criadores do filme Aeroplano), e nas suas brincadeiras de realização que ganhei consciência da manipulação da linguagem cinematográfica. São filmes que revi vezes sem fim em vhs poeirentas com capas da Tv Guia. Por tudo isso, o Sr Nielsen tem lugar no panteão da minha memória cinéfila.